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１０月３１日（水）
１０月２９日（月） 最近、高田馬場にまた悪友が出没するようになった。３日間付き合って１４時間も時間を浪費T_T まあ楽しかったけど^_^;) .......今日はギャラリーに新しい作品をアップしようと思ったが、明日になってしまいそう。マギダさんの「Leite de DeusⅠ」と阿部千花世さんの「P-35」の２点。（UPしました。） １０月２８日（日） 昨日、アントネッロを聴いた後で見た個展について。まずオペラシティからの帰り道、ゲルハルト・リヒターでおなじみのワコウ・ワークス・オブ・アートのお隣さんのケンジタキギャラリーを外から覗いたら何か面白そうな立体作品が見えるので中に入ってみると、『若林奮新作展 樹皮と空き地』だった。太い桐の木の幹１m位を縦に半分に割り、樹皮は残したまま中をくり抜いたり、方形の容器のような形をくり残したりして、それを青系統のインクで彩色した作品。遠目に見ると木というより金属のように見えなくもない。次は銀座で『LIU WEI展』（東京画廊）と『ロベール・ヴィニョー 隠された肖像』（巷房）などを見た。Liu Wei の漢字はポストカードと東京画廊のＨＰとで表記が違っているがポストカードが正しいと思われる。人偏でなく火偏。まそれはともかく、シニカル・リアリズムの旗手だという作家の日本初個展。画廊のもとめに応じて風景を描いたらしいが、焦点のボケた写真のような風景に髑髏が描かれている。ヴィニョーはフランスの文学者（教授）にして版画家？。多層的あるいは矛盾内包的な存在の在り方を明るみに出すような巧みなイメージの創造者。 １０月２７日（土）
１０月２６日（金） 午前中は月に一度の通院。しかしこれが思いのほか早く済んだので若干予定を変更し、上野に行って『特別展 美術の中のこどもたち』（東京国立博物館）を見た。これは特に企画に興味があった訳ではなく、特別展ということで普段なかなか見られない作品や東博以外の所蔵作品も見られるのではという期待で見に行った。古墳時代の埴輪から岸田劉生の《麗子像》まで池大雅３歳の時の書を含む（笑）、美術・工芸・考古等の幅広い分野から１７０点余りの作品が展示されている。一応展示は４部構成になっているが、その展示に沿って見たからといって、特に何かが見えてくるようにも思えなかったけれど？「こども」とは関係なく、個々にとても面白い作品がやはりかなりあった。長沢芦雪《眠る童子図》の不思議さ、《行童面 天童》の異様なリアリティ、喜多川歌麿《風俗美人時計 子ノ刻》の線の抽象芸術、《天狗草紙》醍醐寺の桜会の濃厚な同性愛的雰囲気、《栴檀乾闥婆》の凄惨さ、《訶梨帝母坐像》（滋賀・園城寺）の聖母子像のような清らかさ、《金剛童子立像》（銅造・鍍金）のどこか西洋風な造形、《粉河寺縁起絵巻》の線描だけに頼らない絵の上手さ面白さなどなど、まだまだ興味深い作品がたくさんある。しかしどういう訳か眠い、異常に眠くてどうしようもない。見終わった後に行こうと思っていた他の展覧会や画廊巡りは諦めて早々に帰宅することにした。自宅で一休みして何とか人心地がついたので、夜、ヴァレリー・アファナシェフのブラームスを聴きに行った（東京オペラシティコンサートホール）。ブラームスの後期ピアノ曲集、作品１１６、１１７、１１８、１１９の全曲というプログラム。一昔前では考えられないプログラミング。スノッブな人たちはケンプやバックハウスのLPにはあまり反応しないで、グールドやアファナシェフが録音すると聴きに駆けつける。まあどうでもいいけれど、アファナシェフ何か普通に聴こえてしまった。耳が慣らされてしまったのか？ それから一部聴衆のために集中力の欠けたリサイタルになってしまったのは残念だった。それかどうかアンコールは無し。アンコールなどないのが自然なプログラムではあるけれど。 １０月２５日（木） 夜、『「旅と芸術と、甘い生活」－写真と映画でめぐるイタリア』（東京都写真美術館）の写真展のほうを見た。映画はフェリーニの『青春群像』（'53）、『カビリアの夜』（'57）、『甘い生活』（'60）の３本が１日に１回ずつ上映されている。写真展と映画と両方見るとセットで１６００円になるとか。木、金の夜間開館でなんとか写真展でも見ようという身にはちょっと無理な話。写真展は日本人写真家が撮ったイタリアというところに興味が湧いて見ることにした。やはりそれぞれ違ったイタリアが撮れていて面白い。特に木村伊兵衛と渡辺義雄では同じスナップショットでも随分と違うものだ、とある意味で感心した。木村の写真は東北の町々や東京の下町がローマに変わっただけで、木村の眼差しには何の変化もない。「ローマ」では被写体への温かい眼差しと興味が街と人々をあくまでも人間的に活写している。一方、渡辺の「イタリア」はよりスタイリッシュな写真。建築物を撮った写真で本領を発揮しているが、街角でのスナップショットもある種構築性の強いものになっている。ある一瞬を切り取ったというか、切り取った一瞬のシャープさが眼目。木村のスナップのようにそこから広がって行く世界は感じられない。とまではまあ言い切れないが、そういう傾向はあると思う。木村の写真を見ると「人は何処でも変わらない」という感じだが、よりイタリアを感じさせるのは渡辺の写真か。他に川田喜久治「聖なる森 ボマルツォ」、奈良原一高「ヴェネツィアの夜」、沢渡朔「ナディア イタリア旅行」、原直久「イタリア山岳丘上都市」、木之下晃「イタリアのマエストロ」、安斎重男「イタリアのアーティストたち」など。川田喜久治が撮ったローマ近郊のボマルツォの森の怪異な石像たちの写真は面白い。ヘラクレスにドラゴンにニンフに巨大な松ぼっくりや樫の実？まである。モノクロでひたすらこれらの不可解で 神秘めいた像のみを撮っている写真家の姿勢が結構気に入った。オカシナモノを撮ってますよと言いたげなイヤラシサがない。原直久のモノクロの精密な質感は驚き。山岳丘上都市というのも珍しく興味をそそられた。木之下晃の演奏家の写真はいろいろなところで目にするが、こうしてイタリアの音楽家だけを集めたのを見ると、この写真展のタイトルに冠しているViva! ITALIAという言葉を心の中でちょっと叫んでみたくなる。カルロ・マリア・ジュリーニ、クラウディオ・シモーネ、アバド、ムーティ、ミケランジェリ、ポリーニ、チェチーリア・バルトリ、パヴァロッティ etc,etc..... １０月２４日（水） ちょっと用事があったのと３０～４０分でも画廊を廻れればと思い銀座に行ったら、いきなり『山口薫 水彩・素描展』（サエグサ画廊）の看板が眼に飛び込んできた。サエグサ画廊は銀座通りから並木通りの一丁目の端っこに移転してきてから常設の看板しか見ていなかったが、さすがにやるときは素晴らしいものをやってくれる。さっそく覗いてみたが、これがほんとうに素晴らしかった。いままでに油彩はいくらか見てきたが、正直よく分からない所もあった。しかし今回展示されている作品はほんとに素直にいいなあと感じた。制作年代の明記してある1928年～1961頃までの作品を含む２０点余りの展示。描法にバラエティがあって見応え十分。シンプルな僅かな線によって構築された作品から繊細な線が密集して光の美しさを封じ込めたかのような作品まで。また馬や牛や猫や雉などの動物が独特な存在感で描かれているのも素敵。そしていうまでもないが色の素晴らしさ。たとえば一見儚げな線と淡い色調の水彩の組み合わせが信じられないような見事な絵になってしまったり、ちょっと魔法のようでもある（って大げさ？）。《工場》、《馬三頭》（'60）、《クロと烏の子》（'60）、《水に映った林と二匹の牛》（'58）、裸婦も何点かあるが皆いい。１０／３１（水）迄。11:00-18:30、日曜休み。あといくつか見た個展の中で面白かったのが、『加藤隆明個展 裁縫彫刻』（なびす画廊）。薄く伸ばした樹脂のようなものを縫い合わせているのかと思ったら、なんと豚の皮だった。飴色のような半透明な皮がゴワゴワっと裁縫されてトルソになった。ビーナスの顔にも。 １０月２３日（火） 『A Shriek from an Invisible Box 見えない箱からの鋭い叫び』（目黒区美術館）とはおどろおどろしいタイトルだけれど、なんということはない、要するに「国際立体造形展」のようなもの。彫刻から染織 までの様々な分野（ガラス、陶芸、金工、テキスタイル、etc）の内外１００人の作家に作品を委嘱して開かれた展覧会。ただ作品の大きさと構成について若干の規定がある。 まず大きさが36×36×20㎝以内で、構成は３つ以上の立体物でというもの。しかも一つ一つの立体物が18×18×20以内でなければならない。しかし構成に関してはあまり厳密に守られなかったようだ。出品作家の地域はアフリカの作家が少なかったが、それでも広く世界各国から出品されていた。世界中の作家が同時期に制作した作品が集まった訳だし、それなりに面白く見られた。ただ３人の作家が中の見えない箱に手を入れさせて触覚だけで物を感じさせるという作品を出品していたり、ちょっと興醒めの面も。ほかにも似たようなコンセプトの作品があったし。もういちいちの作品は覚えていないが、どちらかと言うと伝統的な彫刻系統のほうがサイズが小さくても楽しめるような気がした。同じ構造体でももう少しサイズが大きければ違った印象の作品になるのでは？と思えるものがかなりあった。全体的に既視感に囚われてしまうような作品が多かった。ちょっとユニークだなと思える作品は１割ほどか。次は『ダイアローグ２００１ バンフ・レジデンシーの作家たち展』（カナダ大使館ギャラリー）を見た。概要は
１０月２２日（月） 『１９世紀ヨーロッパ・アカデミー派絵画展』（東急本店８階美術画廊）を覗いた。だいたい毎年東急本店で開かれているはずで、今回で２０回目という。以前何度か見たことがある。まあ夜は他に見られるものがないということもあるが、そんなに馬鹿にしたものでもない。結構見方によっては楽しめる内容だと思う。知っている名前はほとんど皆無だけれど（モンティセリが一点あった）、その分純粋に絵だけを楽しむことができる。販売用だからか歴史画はほとんどなく、静物や風景が中心で風俗画が若干。しかしアカデミー派とか言っても実に幅が広いわけで、そもそも知的でも理知的でもなんでもなく、厳しく美の伝統を体現しているとは言い難い。少なくとも展示作品に関しては。美の理想なんてものよりもっと身近な感覚的喜びにひたすら奉仕した作品のオンパレード。ただ基本的にそういう制作態度にいくらか作家の良質の個性（知性でも詩的なものでも官能性でも....）が加わると、なかなか捨てがたい魅力のある作品になったりする。会場ではそんな作品を何点も見ることができる。ところで素人ながらつくづく思ったのですが、遠目で見ると結構細密で立派な写実的な作品と見えるものが、ぐっと画面に眼を近づけて仔細に筆の跡を見ると、作家による個性の違いは当然としても、何となく下品なタッチというものがあるんだなあと今更ながら気が付きました。作品を見るのに最も適した距離から見て良ければいいようなものだけれど、そういう筆の跡を見た後では、どうしてもその絵が安っぽく見えてしまう。いやはじめからよ～く見ていれば騙されなかったのかも知れない。下品なタッチ＝粗野、荒っぽさとはまた違うんですね。この後ついでにPARCOに行き『スウェーデンの若手イラストレーターたち』（ロゴスギャラリー）を見たが作品数も少なく特に面白いものもなかった。またB1に移ったパルコギャラリーでは同じスウェーデンの写真家ペレ・クヌーネステッドという人の写真展が開かれていた。しかし有料（５００円）なのでパス。前にも日記でケチをつけたけれど、パルコギャラリー無料にしなさいって！新進の日本の若手写真家の展覧会でもお金取るんだから。当然閑古鳥..........業界の関係者用の展覧会という訳なのか？ただB1に移転したギャラリーは外からもかなり作品が見えるのでそれですませた（笑）。みな大きな作品でカラフル、なかなか元気のいい写真。（帰宅後 情報誌を見たらEU諸国の失業者の生活を撮った写真！だと分かった。） １０月２０日（土）
１０月１９日（金） 時間がないので簡単に展覧会名だけ記しておきます。まず今日は午後から『開館１０周年記念・館蔵名品展 盡美・耽美の世界』（センチュリーミュージアム）を見た。会期は１１月３日まで。この展覧会◎です。書跡がメインの美術館ですが、仏画、仏像はもちろん水墨画から琳派までの絵画のコレクションもなかなか魅力的。しかも美術館が古美術品に集中できる造りというか雰囲気（隔絶した空間）なので、じっくり味わうことができます。しかも今回は１００点に近い展示品についてのていねいな解説と簡略ながら写真付きの冊子がいただける。これで５００円は安い！いやいや内容もほんとうに素晴らしい。常設展示になっている北魏の石仏や唐の木彫がまた何とも美しい。近いうちに紹介します。ポストカードも買ったし（笑）。今日はこの展覧会があまりに良かったのでこの後の画廊巡りは取り止めにして家に帰りたくなった。結構本気で迷ったが結局いつものように京橋・銀座でいろいろ個展を見てまわった。『中川るな個展 幸福な散歩』（Gアートギャラリー）、『山路寛子展』（ギャラリーLa Mer）、『三輪道子新作展』（ギャラリー山口B1)、『ルイザ・ランブリ展』（ギャラリー小柳）、『遠藤まさかつ遺作展』（東邦画廊）など。『中川るな展』はとても面白かった。様々なBuddhaのイメージを写真から作った型紙を使ってアクリルで描いている。それに金粉をかけたり透明な樹脂を流したりしている。小さな正方形の画面にたくさんの仏像が描かれたり、あるいは一体のみ燦然と樹脂に包まれて金色に輝いていたりとなかなか面白い。単なるポップな感じとも違うし仏像のイメージを使った作品の危うさもほとんど感じられない。かなり気に入った。山路寛子さんはとても個性的な勢いのある花を描いたリトグラフ。また水彩と美しい和紙をコラージュしたやはり花の絵。なかなか魅力的な作品。ルイザ・ランブリの窓の写真は、「うんちょっと綺麗だな」と思うぐらいでそれ以上になにも感じない・・・・・当然現代美術ウォッチャーとしては失格です、ハイ。 １０月１８日（木） パーセル・クヮルテット・オペラ・プロジェクトによるモンテヴェルディのオペラ『オルフェーオ』（1607）を聴いた（東京オペラシティコンサートホール）。正確には音楽寓話劇（favola in musica）というらしい。しかし東京にいながらにしてついに『ユリシーズの帰郷』と『ポッペアの戴冠』についで『オルフェーオ』まで聴けてしまった。東京で３公演、水戸と大阪で各１公演の計５公演だった。上記３つの上演の中では、ルネ・ヤーコプスの『ユリシーズの帰郷』が色々な意味でもっとも鮮烈な印象を受けたし面白かった。もう１０年も前のこと。日本におけるバロック・オペラの本格的な上演の走りだった。１９９８年の『ポッペアの戴冠』は聴きのがしたので比較はできない（一応二期会の公演は聴いた）が、今回はどうだろう？演出がどうのと言えるオペラ通ではないが、どうもあまり上手くいかなかったのは明白なような気がする。例のオルフェーオがエウリディーチェの方を振り向いてしまう場面あたりで居睡りをしてしまったが、全体にもう少し落着いた演出の方がよかったと思う。やはりどう見ても中途半端な演劇性は音楽の邪魔になるし、ダンスの振り付けも浮いていた。悲しみのあまり身ぐるみ剥ぎ取るように服を脱ぎ捨てパンツ（いやトランクス）一枚で体を丸めて悲嘆に暮れるというのも、結局何も伝わってこなかったし..........その後のアポロが自刃するのもよくわからない？歌唱陣については<音楽>とオルフェーオは好みの分れる所もあると思うが、ドミニク・ヴィスはちょっと...ヴィスでなければ表現できないこともあって貴重ではあるけれど....。今回の公演で文句なく楽しめたのはパーセル・クヮルテットをはじめとする奏者たちの素晴らしい演奏だった。ヴァイオリン、ヴィオラ、ガンバは自由に舞台を移動して演奏し、舞台の左右には鍵盤奏者とリュート奏者がそれぞれ一人ずついてオルガン、チェンバロ、レーガルとキタローネ、チェテローネ、ギターを弾きわけていた。ダブルハープの演奏もなかなか味があったし、さらにコルネットとサクバット（トロンボーンのような楽器）の７人のグループの演奏がまた素晴らしかった。実に柔らかい音で華やかさを演出していた。しかしモンテヴェルディの音楽は確かに凄いけれど、やっぱりパーセルが聴きたい.........。 １０月１７日（水） 午後３時過ぎから数年振りに『創画展』（東京都美術館）を見た。会場を見て回りながら、こんなだったろうか？と思う。興味索然。既に大家という言葉は死語になった。創画会ではもう片手に満たないのではないか？期待された有名作家や渋い仕事をしてきた実力派？作家、さらに個性派に異色作家とことごとく何か期待はずれやどうしようもない行止り感、停滞感に覆われている印象。しかもこれといった若手の台頭も感じられない。かつての輝きの残照さえもない。かなり悲惨な光景に見えた。こうなったらあとは『武彦VS健彦展』（ギャラリーイセヨシ）に期待するしかない。「対決展」として企画されたことはさておき、菅原健彦氏の図抜けた才能に改めて感嘆！ここ数十年の日本画の動向などとは全く関係のない処で（ほとんど茶番に見えてくる）、日本画そのものを超えようとしている才能だと思う。しかも奇抜な発想や概念的な思考を弄することなく。そもそも理屈はともかく、江戸・明治の才能ある画家と並べて恥ずかしくない作家が現在いますか？ということ。あまりにも話が荒唐無稽で大きすぎると言うなかれ。たまにはそういうことも考えた方がいいんじゃないかと思う。菅原健彦はこんな風に興奮させてくれる作家だ。...........ちょっとのぼせ過ぎ（笑）？ １０月１６日（火）
１０月１４日（日） 齋藤喜美子さんの《内なる青》という作品をアップしました。ただ「青」を正しく再現できるかどうかが一番肝心な所だったのに、完璧に失敗しています。実際の色はもっと藍色？に近い青で、画面ももっと柔らかな感じで微妙な奥行感があります。また左側の絵の中央下部から上に伸びてゆく緑は深い緑で素晴らしいのですが、この色もうまく再現されていない。という訳でアップすべきかどうか迷いましたが、やっぱりアップしてしまいました。作家さんには申し訳ありません。さて今日、「新日曜美術館」を見たら横浜トリエンナーレを取り上げていた。中村さんという番組の女性の方が実際に会場に行って作品を見ている映像が流れた。しきりに「面白いですね～」と言っていたが、全然面白いと思えないんですが？昨日のイスタンブールビエンナーレの作品といい、何でも映像使ってオメデタイ感じだ？ヘボくてもあまりにもミエスイていてもここまでくると「みんなで渡れば恐くない」って感じだ、ほんとに。しかし○ずかしくないのか？信じられない.........。しかも現代美術を紹介するNHK他のこれまた信じられない歯の浮いたような全く批判精神のかけらもない言葉の数々。ちょっと冷静に考えればことの異常さがわかるような気がするけれど..........？口直しに３年前くらいに録画しておいたビデオを見た。『イングランド・我が祖国 ヘンリー・パーセルの生涯』（'95 英）。多分劇場用でなくテレビのための作品。お行儀のいい伝記映画ではないが、英国でなければ考えられないような、なかなか面白い作品だった。それにしてもパーセルの音楽の素晴らしさ！安心してため息をつきながら聴ｌく音楽としてでなく、何なんだろうと刺激しつづけてくれる音楽。やっぱりため息もついてしまうけれど。 １０月１３日（土） 『日月星辰 高山辰雄展』（日本橋高島屋８Fホール）を見た。同じタイトルの展覧会が今までに２回開かれている。１回目は１９７３年、２回目が１９８５年。そして２００１年の今回が第３回目。いずれの時も画家高山辰雄の現在を伝える展覧会として開かれているという。高山辰雄といえば昔東京国立近代美術館での大規模な回顧展が印象に強いが、今回会場で年譜を見ると、その展覧会は1989年に開かれている。意外だった。もっともっと、１５年か２０年くらい前のような気がする。それくらい高山辰雄から離れていたような気がする。その間にも色々な展覧会で時々の作品は見ていたが、あの大回顧展での印象を超えるものではなかった。しかし偶然のような形でまたある程度まとめて高山辰雄の作品を見ることが出来た。もう８９歳というのも驚いたが、六曲一双の屏風３点を含む１８点がいずれ劣らぬ力作で、画面には幽玄かつ艶やかな世界が息づいているのにも驚いた。しかし素人的にはっきり言って、造形的に弱いと思う。造形的な面からでなく画境を深めていく画家は結局どんなに魅力的な絵を描いても、また自作の脇に深い経験に根差した珠玉の言葉を掲げても、造形的な厳しさを追求した果ての格調というものがない。残念ながら。しかしそれでも大作《雲煙飛翔》と《遥かな濱邊》は素晴らしい。特に《雲煙飛翔》はほぼ画面一面を覆い尽くす森に天空高くではなく（そもそも空が描かれていない）鳳凰が二羽飛翔している図で、いささか奇態ではある。しかし天地一如、天地の境なし、とでも思えばいいのかも知れない？また画面の下方に右手からほぼ一直線に左手へと静に川が流れているのも印象的。《遥かな濱邊》の大画面の半分ほどを覆う松の老大樹はほとんど自然の精といった趣。ある批評を読むと、その松は「黒群緑」という独特の絵の具一色で描かれている由。というのが昨日までの話で今日は夜、『エゴフーガル：イスタンブールビエンナーレ東京』（東京オペラシティアートギャラリー）を見た。しかしこれは世界的傾向なんでしょうが、いかにも視覚、聴覚への刺激（当然だけれど）だけに偏った、あまりにも○○地的な内容で、はっきり言ってバカバカしい。１０００円損しちゃった。寺田コレクションも相変わらず不思議なコレクションだ。 １０月１２日（金）
１０月１１日（木）
１０月９日（火） 岡美里さんのビデオ作品『コトワザ、あります』を見た。８月下旬から９月にかけての個展中に２日間で３～４回、そして今回はプロジェクターでなく自宅のテレビ画面で見たが、ほんとに面白い作品だ。ビデオ作品はあまり見る機会がないので比較出来ないが、かなりユニークだと思う。しかも１２分足らずの作品ながら、いろいろ美しさが詰まっているところがいい。前に日記で書いた感想はちょと見当違いだったかも。去年の個展作品『失われた情熱が東京をハイカイす！！』も早く見直したい。 １０月８日（月） また一日遅れの日記。すでに記憶が薄れたので簡単に。まず２日から始まった東京国立博物館の平常陳列「中国の絵画」は宋元の絵画を特集していて、展示されている作品１８件がすべて国宝・重文という見応えのあるもの。文人画風に崩れる前の重厚な作品が多い。しかし筆致の幅は必要にして十分な広がりがある。そして何を描いても技術的な完成度が極めて高い。しかもその技術的な側面がその画家の芸術的な質を変に規定していないところも凄い。日本人が一般にイメージしがちな水墨画とはかなり違った世界がある。例えば羅稚川筆「雪汀幽禽図」なんて日本よりは却って北方ルネサンス、ネーデルランドかどこかの絵の世界に近いと思う。別に広い視界の風景、荒涼とした枯れ木のある、凍天に鳥が群れ飛ぶような絵柄が似ているという意味でなく。花を描いても、猿や鶏を描いてもやっぱりどこか違う。あまりにも瞬間のなかで捉えたものになるか、デザイン化してしまうか、情緒的に描いてしまうか、これが日本的とすれは、そういうのとはかなり違う猿や鶏だ。あるいは人物。多少デフォルメされているが、デフォルメのためのデフォルメではない（と思う）。しかしまた山水を描く手付きの水際立った洗練さ！伝孫君沢筆「高志観眺図」、李氏筆「瀟湘臥遊図巻」。墨の濃淡の見事な対比と一種のグラデーション、あるいは潤いのある柔らかなタッチですべてを描き切ってしまう力技（？）。まだほかにも「寒山拾得図」やらなにやら面白い。「日本の絵画」では今回も円山応挙を見ることができた。しかも３点。「鳳凰図杉戸」（1784）、「虎嘯生風図」、「写生帖」。「写生帖」は同じく陳列されていた狩野探幽の「草花写生図巻」と比べると面白い。探幽の清楚で雅趣のあり過ぎる（笑）作と比べると応挙のはいかにも基本が写生。他に狩野永徳の「許由巣父図」なんていうのを見ると、あらゆる意味で、構図にしろ個々の描写にしろ生動感にしろ、余裕綽々というか余裕が漲っている画面でさすがだなあとちょっと唸った。ほかにも面白い作品凄い作品がいろいろ。やはり東博は毎月一回来なければ・・・『眼の革命 発見された日本美術』（渋谷区立松涛美術館）についてはもう書く気力なし。リンクを参照してください。ただ「超芸術トマソン」は入れてもらいたくなかった。結局単なるセンチメンタリズムとあざとさ以外の何物でもない、と断じます（笑）～（で誤魔化す）。『カラヴァッジョ展』は昨日のとおり。 １０月７日（日） とりあえず昨日見た展覧会について。まず、『加山又造・加山哲也二人展』（日本橋高島屋６F美術画廊）は加山又造氏と氏の長男で陶芸家の哲也氏（1954年生）との二人展。私が見た雑誌では単に「加山又造展」としか書いてなかった。てっきりここ２～３年の作品をまとめて見られるのかと思い大変期待していたが、実際は主だった展示品が１９６４年の《凍瀑》から昨年の《雪晴れる》まで、屏風２点（《長城》'87と《夜桜》'98）を含む計７点のみだった。それに１９９０年前後の裸婦素描が８点と祇園祭の山鉾格子天井画の原画１６点（小品）が添えられているといった内容。しかも注目していた近作は既に今年の『日本秀作美術展』で見た《雪晴れる》と桜島を描いた作品の２点しかなかった。さすがにちょっとがっかりしたが、《雪晴れる》を見て改めて加山氏の新展開だなあと思った。北宋画の骨法のようなものを消化し、それをより輪郭鮮明な明るい世界のものとして実現したような作品。抒情性を排した青一色の空に玲瓏たる山容を現わした雪山そのもの。他に余分なものは一切無し。そしてその山容の確かな量感表現は、所謂リアリズムではないが？、従来の日本画とは一線を画するような気がする。様々な試行錯誤、探求を通じて初めて得られるようなものだと思う。やはりちょっと感動的な一点だ。次に画廊巡りをして面白かった個展をいくつか挙げると、『川村直子展』（コバヤシ画廊）、『愈大均彫刻展』（シロタ画廊）、『大竹秀明展』（フタバ画廊）、そして『フロンティア展』（銀座スルガ台画廊）。『フロンティア展』は若手の日本画家３人のグループ展。特に川越良昭氏（1970年生）に興味をもった。なにかちょっと吉岡堅二を思い出させるような。大きな作品はいまいちな感じもするが、小品はみな魅力的。落着いた中間色の、面で構成された草花など。川村直子は天井から床に張られた極細のステンレスの糸２５００本に小さな鉛を５㎝間隔位に取り付けた作品。鉛の数は全部で８万個！とのこと。近くに寄って見ると、鉛の取り付け位置がどの糸でも同じなので、鏡を使わない草間弥生の作品みたい。しかももっと即物的でまた不思議に夢幻的。愈大均は韓国の作家。画廊の入り口にある《ぬけがら<ミケランジェロの反抗する奴隷>》（ブロンズ）がいまにも崩れ落ちそうな皮膚だけの人体像で驚かされるが、ギャラリーに入ると手首から先だけの大きな彫刻にさらに驚かされる。指でよく歩く真似などするものだが、まさにそれでミレーの《種蒔く人》を連想させ模した作品。ほかに《重荷を背負った人》や《散策<後ろ手を組んで歩く>》など。奇抜といえば奇抜だがなかなか力のある作品でちょっと面白いと思った。大竹秀明氏はずっと女子高生をエロチックに描きつづけている作家さんだが、今回は画面が一気に暗鬱な色彩になり人の姿も定かでなく、なんとかセーラー服であることが分かるくらいで、背景に融けてしまいがち。十字架にかけられた女子高生や、顔は見えないが死を悼んでいる人々の群れ・・・何か女子高生へのレクイエムを奏でているような作品たち。作家さん曰く、「自分でもこんな作品を描くとはまったく予想できなかった」とのこと。さて最後に見た『MoMA ニューヨーク近代美術館名作展』（上野の森美術館）はちょと困った。なんせ入場料１５００円です。モンドリアンの《絵画Ⅰ》（１９２６)、《白と黒と赤のコンポジション》（1936）、《トラファルガー広場》（1939-43）の３点とキリコのどちらも１９１０年代の２点《偉大なる形而上学者》（1917）、《不安な旅》（1913）が文句無く良かった。あと意外にもデュシャンの《処女から花嫁への移行》（1912 油彩）に惹かれた。展覧会の目玉のマチスやピカソはたくさん作品が来ていたが、ダンスの輪には入れなかった。そもそも名作寄せ集め的な展示が印象を散漫にしていると思う。今日見た展覧会については明日ちょっと書きます。『眼の革命 発見された日本美術』と東京国立博物館の平常陳列から『宋元の絵画』（「中国の絵画」）と「日本の絵画」、そして『カラヴァッジョ 光と影の巨匠－バロック絵画の先駆者たち』。ただ最後の「カラヴァッジョ展」は特に書くこと無い。表現の仕方は確かに新しいのかも知れないし、そこそこ面白い画家だとは思ったが、正直特に感想はありません。ましてやカラヴァッジェスキたちの作品にはほとんど興味を感じなかった。 １０月６日（土） 調子に乗るとろくなことはない。いざ美術館巡りと家を出ても、移動中はうたた寝しっぱなしで足元もこころなし重い。でも何とか『加山又造・加山哲也二人展』を見て、画廊巡り３時間して、『MoMA ニューヨーク近代美術館名作展』を見た。しかしMoMAを見る前にちょっとお茶にしたら、お店でも１０分以上うたた寝してしまう。帰宅したら食事を摂って即ベット。目が覚めたら時計が１１時を指していた。もう7日の昼近くになってしまったか！とＰＣの時刻を見ると２３：００（ほォ）。とはいうもののまだ日記を更新するだけの気力が回復しない。明日まとめて簡単に報告します。(ー_ー)... １０月５日（金） 久しぶりに土・日が連休なので何を見ようかと情報誌を見ていたら、１０月上旬は異様なほど新しい展覧会の開幕ラッシュで驚いた。次々に美術館が閉館される中、それでもこれだけの展覧会がある。ちなみに明日６日から始まるおもだった展覧会を挙げただけでも、『シエナ美術展』（東京ステーションギャラリー）、『司馬江漢展』（府中市美術館）、『日本の博物図譜 １９世紀から現代まで』（国立科学博物館）、『エゴフーガル：イスタンブールビエンナーレ東京』（東京オペラシティアートギャラリー）、『Viva! ITALIA「旅と芸術と、甘い生活」』（東京都写真美術館）、そして『MoMA ニューヨーク近代美術館名品展』（上野の森美術館）といったぐあい。しかも６日と前後して興味深い展覧会が目白押し。『Vina ITALIA～』はおもだった内にはいらないか（笑）。それにしても明日は何を見よう？『カラヴァッジョ展』早く見たいが土日は避けたいし、東京国立博物館の「中国の絵画」の平常陳列、今回（２日～）は凄そうだからこれも早く見たい。それに『加山又造展』（日本橋高島屋美術画廊）が３日から始まっている。加山又造は近年また新しい世界を切り拓いているようなので（２～３点しか見ていないので）ちょっとその辺を確認したい。横浜トリエンナーレまでとても足をのばせない。な～んて言って夜更かして（もう６日の４時になる^_^;）昼過ぎに起きたんじゃ話しにならないのでそろそろ寝よう。 １０月４日（木）
また明代の青花磁器の作風の微妙な変化・変遷も分かりやすく展示されているし、五彩も２０点近く出品されていて楽しめる。「青花褐彩花文六角瓶」は一見の価値ある珍品。そして技術的に大変困難とされる清代の青花釉裏紅の傑作の数々！最後の展覧会に相応しすぎてちょっと寂しい。 １０月３日（水） かなり迷っていたが結局今夜、『私の中のフリーダ／森村泰昌のセルフポートレイト』展（原美術館）を見てきた（水曜は夜８時迄）。けっこう面白かった。あまり風評をあてにしてはいけない。といっても実は、森村というフィルターを通してもその魅力が一向に減じない、フリーダの絵のイメージの素晴らしさを再認識させられた、ということだけれど。裏を返せば展示させていた森村の作品の魅力の大きな部分はフリーダの絵の強烈なイメージに依っているのではないかと。しかしいつもの森村と（いうほど見たことない、個展を見るのは初めて）スタンスが違うのではないか。さすがに森村でもフリーダ相手では謙虚に正攻法で勝負するしかなかったのか。しかしまあそれも装われた真剣さと読めない事もないかも知れないが、ここはやはりフリーダへの一種のオマージュと捉えたい。案外森村が自分を捨てていたりして!!? しかし２階の会場の作品はぱっとしなかった。《髪を切った自画像》と《自己との対話Ⅱ》は、もととなるフリーダの作品はなかったような気がする。もしあっても１階の作品たちのフリーダの作品との対応性よりは弱いと思う。その分森村の作品も力の無いものになってしまっていた。そして無残というかどうしようもないのがビデオ作品。様々な衣裳のフリーダに扮し、自身が弾く？キーボードの音楽に合わせていくつかの短い言葉を発している。Te adoro（愛している）、Lo odio（大嫌い）、（私は何よりも悲しい）、（痛みに立ち向かう）、レボルシオン！（革命！）・・・など、しかしなんて無様なんだろうと思った。役者の台詞回しに習えとはいわないが、詩的な無手勝流というものだってあるだろうにと。また今回の個展を見ながら、絵と写真についてちょっと考えさせられた。といっても単純なことですが・・・森村の作品はなかなか極彩色でフリーダに迫っている面もある（ちょっと絵のようなマティエールも感じる）。しかしフリーダの切れば血の出るようなというか、あたり一面に血が迸り滴り落ちているような絵（実際そんな絵があった）とは比較しようもないほど「写真」というものに収まってしまっている。華麗で複雑な色彩の乱舞も全てはしかるべき遠近のなかに収まり曖昧さというものはない。既に描き終えられ筆を擱かれても、まだ色や形が自分のあるべき場を探して揺らいでいる、といった絵画の不思議さや生々しい魅力は感じられなかった。 １０月２日（火） 昨日の続き。広田稔さんは白日会ですが展覧会を拝見すると異色さが際立っている。太田國廣さんも新制作ではかなりユニーク。ここ数年日本庭園とくに石組みの池泉を描き続けておられ、金色をふんだんに使った豪奢とも侘びさびともつかない独特の絵画世界を探求されている。初めは写実的だったものが、だんだんと様式的というか造形的傾向を強め、今年はついにというかかなり抽象度の高い作品になっていた→◆しかしごつごつした岩間から黄金色に湧き出る泉水は煌きつつ潺湲と流れている。この感覚の精密さと大胆な造形性がこれからどのように展開されてゆくのか非常に楽しみ。そしてもう一人、鳥原正敏さんはテラコッタの作家さんでしかも中国の造形に強い影響を受けておられるように見える。しかし中国と日本では仏像にしても動物にしても全く違う感覚で作られている（と思う）。かなりきついところで勝負されている作家さんだ。今月の１７日から日本橋高島屋６階の彫刻コーナーで個展をされます。新制作展は太田さんと鳥原さんのお二人を見るために行くようなもの。まあ全体の印象をあえて言えば、やはり絵画に元気がないということか。そろそろ「新制作」という看板を下ろす時期なのかも知れない、なんて思ってしまう。ただ彫刻はけっこう楽しめた。ほんとうに強く惹かれた作品はなかったが、意外にも雨宮透の「想い」や「音楽生・M」なんていう古典的（？）な作品に魅力を感じた。当ＨＰでは上記のような傾向を直接感じらるような作品ではないけれど、広田稔さんは「夏の朝の静物」◆を、太田國廣さんは「古い壁の野の花」◆をギャラリーで展示しています。テラコッタの鳥原正敏さんの作品は未だに準備中。 １０月１日（月） 今日は『カラヴァッジョ展』を見に行く予定にしていたが、昨夜『デュフィ展』（安田火災東郷青児美術館）が１０月１日に限って無料で見られる（しかも月曜日に）という事を知り、混雑するのではとちょっと迷ったが、無料には勝てずさっそく昼から観に行ってきた。会社の創立記念日だそうです。会場は雨降りだったせいか思ったより混雑していなくて、ゆっくり楽しむことが出来た。ポンピドー・センター所蔵の作品による展覧らしいが、以前Bunkamuraザ・ミュージアムで開かれた「デュフィ展」に比べると規模も質もいくらか落ちるような印象。しかし初期から→印象派→フォ－ヴィスム→キュヴィスム、そしてデュフィ独自の様式へという流れがコンパクトにまとめてあって、展覧会としては好印象。またデュフィが好んで描いた題材別のコーナーもいくつかある。大雑把な感想を言えば、この展覧会を見た限りデュフィは１９２５年頃が創作のピークだったような気がする。少なくても１９３０年位迄か？それ以降は線的表現が前面に出てきて、魅力的といえば魅力的だが、それだけでどうにかなるという程のものでもない。色彩も浮いてしまっている。１９４５年から５０年にかけて「黒い貨物船」のシリーズで巻き返しを図ったようだが、初めは面的に頑張ってみたものの結局はまた線的表現に頼るようになって元の木阿弥。だったら１９２５年の《沖で泳ぐ女たちと貝》の方がよほど素晴らしい。セザンヌに影響されて実験的に試行錯誤していた頃の作品はデュフィの資質に合わなくてなにかとても窮屈そう。またフォ-ヴィスムの頃の作品は、フォーヴ本来の荒々しさがほとんど感じられなくていかにもデュフィらしい？ 一方、最初期の自画像や印象派の影響の強い作品には、どの画面の中にも柔らかい光が漂っていて素晴らしいと思った。結局キュヴィスムから離れ独自の道を歩み始める１９１０年代から２０年代が最も見応えのある作品が集中しているように思えた。しかしデュフィを見終わって、常設のセザンヌの《りんごとナプキン》を見たら、今まで見てきたデュフィの全作品が何処かに吹き飛んでいってしまったような錯覚に囚われた。ゴーギャンの作品と何度見ても良いと感じたことがない例のゴッホの《向日葵》は海外に貸し出されていた。今日はこの後、表参道で『広田稔展』（ギャルリーEMORI）を見て、さらに上野に行って『新制作展』（東京都美術館）を見た。こちらは明日若干画像をアップする予定です。 |
